A színház természete szerint mulandó (ephemeral). Milyen
következtetéseket lehet levonni ebből a banális kijelentésből?
Egyrészt belevethetjük magunkat a mulandó kultúrájába.
Z. Kovács József
grafikái
Másrészről, szembe is helyezkedhetünk a
színház elkerülhetetlenül tünékeny természetével. Ez a szembenállás vezet a
színház jelentésének felfedezéséhez. Kísérlet a színház határainak kitágítására
azért, hogy megtagadjuk azt az előre meghatározott szerepet, amelyre
kultúránkban kijelölték. Így, a színház csinálása közben tudjuk tagadni a
színházat.
Ez a tudás a munka legmélyebb rétegében eltakarható tagadást
jelenti, mivel a munkának elsősorban „jól megcsináltnak” kell lennie. A lázadás
jelentését megnevezés nélkül is továbbítani tudjuk, egyszerűen technikai
elvekkel és a szakszerű hozzáállás eszkö zeivel.
A „mulandó” az „egy napig tartót” jelenti. De azt is jelenti
„ami naponta változik”. Az első jelentés a halált idézi. A második a mindig
változó folyamatot, amely az életben-való-létezést (being-in-life) jellemzi.
Csak az előadás és nem a színház tart rövid ideig. A színház
olyan tradíciókból, konvenciókból, intézményekből és szokásokból tevődik össze,
amelyek elviselik az idő szorítását. Ez az elviselés olyan súlyos, hogy gyakran
megakadályozza az élet felszínre emelkedését és helyettesíti azt a rutinnal. A
rutin a színház természetes határainak egy másik fajtája.
A színház mulandó természetével való küzdelem nem az elviselődő
védelméből álló harcot jelenti: nem a tradíció védelmét. S nem az előadások
konzerválásáért való harcot. Az „elektronikus árnyék” – ahogy a kínaiak a filmet
nevezték – nem fenyegeti a színházat. A film csak megrontással fenyegeti a
színházat. A film és az elektronika megvalósítják azt, ami elképzelhetetlen volt
a huszadik századig: olyan előadásokat, amelyek gyakorlatilag változás nélkül
konzerválhatók. Így ezek az eszközök elhomályosítják, hogy a színházi előadás
alapvető dimenziója ellenáll az időnek. De nem a megfagyasztással, hanem önmaga
transzformációjával.
A transzformáció extrém határa az egyedi nézők egyedi
emlék(ezet)ében található.
Száműzetésben élő részünk
Mit jelent a nézőre (spectator) és nem a közönségre (public)
figyelve dolgozni? A publikum eldönti a sikert vagy a bukást. Ez valami olyan,
aminek a nagysághoz van köze. A nézők egyediségükben azt határozzák meg, aminek
a mélységhez van köze. Ők döntik el, hogy az előadás milyen mértékben foglal el
helyet bizonyos egyéni emlék(ezet)ekben (memories).
Egy részünk száműzetésben él. Ezt mi vagy mások (mások bennünk)
nem találjuk/találják elfogadhatónak vagy különösen fontosnak. Bizonyos
előadások ezekben a racionálisan, morálisan vagy emocionálisan száműzött
régiókban ütnek tanyát. A néző nem fogyasztja (consume) ezeket az előadásokat.
Gyakran nem érti őket vagy nem tudja, hogyan kellene értelmeznie őket. De
folyamatosan dialógusban áll azokkal az emlékekkel, amelyeket ezek az előadások
mélyen beleszőttek a lelkébe. Nem rendezőként állítom ezt, hanem azokra a
tapasztalatokra alapozva, melyeket nézőként szereztem.
A nézők és a publikum közötti megkülönböztetés szükségessége
abból a szándékból ered, hogy tudatosan kihasználjak egy elkerülhetetlen
állapotot. Még ha néhány vagy számos reakció osztatlan és általános is (ezek a
publikum reakciói), de a közösség (communion) immáron lehetetlen. Intenzív
kapcsolatot ki lehet építeni, de ezek kölcsönös elidegenedésen alapulnak.
Ez az elidegenedés nemcsak a nehézségek, hanem a színházi
energia értékes forrásává is válhat. Minden nézőhöz ugyanazzal a hanggal szóló
organikus előadás létrehozása helyett úgy is gondolhatunk az előadásra, mint
együtt megszólaló, számos hangból álló valamire. Ezek a hangok anélkül szólalnak
meg, hogy szükségszerűen egyszerre beszélnének az összes nézőhöz.
Az Odin Teatret előadásai évek óta már fragmentumokból állnak –
néha egész sorozatok (sequences) –, amelyek bizonyos nézőkhöz szólnak, akiket
közel érzünk magunkhoz vagy akikhez személyesen szólunk. Ez nem azt jelenti
azonban, hogy ezek a sorozatok vagy fragmentumok a többi néző számára
értelmetlennek tűnnek. Ennek inkább az akciók egybeszövött anyagához van köze,
amely csak a kifejezés előtti (preexpressive level) szinten koherens [lásd Barba
1986: 135–166], amely precíz dramatikus ritmusában, és amely minden néző
érdeklődését felkeltő képek „csomó(pontja)it” tartalmazza. A nézők nagy része
számára élő – még ha áthatolhatatlan vagy egyszerűen csak nem unalmas – akciónak
vagy sorozatnak is legalább egy néző számára tartalmazni kell tiszta és
központi értéket.
A „néző” kifejezés nemcsak azokra vonatkozik, akik
az előadás körül gyülekeznek. A színész és a rendező is részben néző: aktív az
előadás létrehozásában, de nem uralja annak jelentését.
Fentebb már utaltam egy extrém esetre. Számtalan lehetőség
létezik a fenti eset és az ellenkezője között, ahol minden egyenrangúan
dekódolható a maximum számú néző számára. Amikor valaki abban a helyzetben van,
hogy felfedezze ezt a bőséget, akkor olyan pozícióban is van, ahol át tudja
lépni a nyelv, a társadalmi és kulturális divízió és az oktatás különböző
szintjeinek határait. Nem azért, mert az előadás „univerzális” és valami
elfogadhatót mond mindenkinek, hanem azért, mert egyes pillanataiban mindenkihez
szól, máskor pedig különbözőképpen szól minden egyes egyénhez. Az előadás
nemcsak az energia, hanem a szemantika szintjén is táncol (dances). A
jelentése táncol, van, hogy expliciten, máskor rejtetten és titkosan,
nyitottan egyes nézők szabad asszociációi számára, mialatt kétértelműen és
felismeretlenül mások számára.
Az igazi nehézséget nem a többszörös hangok jelenlétének
garantálása jelenti, hanem az előadás organikus integritásának felügyelete.
Lennie kell olyan technikának, amely megakadályozza az előadás fragmentációját
vagy olyan üzenetté degradálódását, amely kódolt, érzéketlen és élettelen azok
számára, akik nem rendelkeznek a megfejtéssel.
Lehetővé tenni a néző számára egy történet megfejtését nem azt
jelenti, hogy képessé tesszük őt az „igazi jelentés” felfedezésére, hanem azt:
olyan helyzeteket hozunk létre, amelyek megengedik a nézőnek, hogy önmagának
kérdéseket tegyen fel a jelentésre vonatkozólag. Ennek a történet
„csomó(pontja)inak” (knots) felbontásához van köze, azokhoz a pontokhoz,
amelyeknél a végletek találkoznak.
Vannak nézők, akiknek pontosan azért van szükségük a színházra,
mert ez nem megoldásokat, hanem csomópontokat mutat nekik. Az előadás egy
hosszabb tapasztalás (experience) kezdete. Ez a skorpió csípése, ami táncolni
készteti őket.
Amikor a néző elhagyja a színházat, a tánc nem áll meg. Az
előadás esztétikai és kulturális eredetisége teszi élessé (sharp) a csípést. De
ennek értékes mérge máshonnan ered.
A rendező mint néző technikája
Azért csinálok színházat, mert újra és újra meg tudom szólítani
azokat, akik konfrontálódni vágynak valami olyannal, ami titkosan nyomot hagy
énjük száműzött részében.
De a fenti szavak mit sem érnek, ha nem öltenek testet pontos
instrukciókban a színházi mesterség számára.
Az előadás elkészítésén való munkálkodás közben
lennie kell olyan pillanatnak, amikor a rendező átmegy a másik oldalra, és a
néző képviselőjévé válik. A rendezőnek ugyanúgy hűségesnek kell lennie a
nézőkhöz, mint a színészekhez. A színészekhez való hűség alapvetően abból áll,
hogy olyan helyzeteket teremt számukra, amelyekben megtalálják a személyes
jelentést az előadásban anélkül, hogy teljesen a nézők kívánságainak
kiszolgálóivá válnának. A nézőkhöz való hűség abból áll, hogy biztosítja,
egyetlen nézőt sem néz le (patronize) az előadás: a néző nem érzi úgy magát,
mintha számként kezelnék vagy mint a „publikum részét”, hanem úgy érzékeli,
mintha az előadást csak az ő számára hozták volna létre, azért, hogy
valami személyes dolgot súgjon meg neki.
A rendező számára a nézők iránti hűség nemcsak azt jelenti,
hogy felkeltse az érdeklődésüket, feldobja, szórakoztassa vagy meghassa őket.
Azt jelenti, teljességgel birtokolja a szükséges technikát ahhoz, hogy mentális
szinten tudja feltörni a publikum egységét. Ugyanígy, a színészekhez való hűség
nem a siker, a kritika figyelmének, a színházi miliő konszenzusának hajszolását
jelenti.
A rendező nem „protektor”. Sokan tapasztalt koordinátornak
tartják. Mások az előadás valódi szerzőjével azonosítják. Számomra a
rendező inkább az, aki ismeri a színház legelemibb valóságát is, és aki azzal
kísérletezik, hogyan lehet megtörni a nyilvánvaló kapcsolatot akciók és
jelentéseik, akciók és reakciók, ok és okozat, színész és néző között. Saját
munkámról Rabelais éhező kutyája jut eszembe, amely ragaszkodott a csont
összeroppantásához, abban a reményben, hogy felfedezzen benne „une
substantifique mouelle”-t.
Ez a kutya-lét (doggedness) éhségre, makacsságra és
technikára utal.
Beszéljünk most a technikáról. Valaki azt mondhatná: „A rendező
az első néző.” Vagy: „Az ő feladata, hogy a néző figyelmét a színész
cselekedetein keresztül vezesse.” De melyik nézőről beszélünk? A technika csak
abban az esetben létezik, amikor a rendező dolgozni tud a nézők lehetséges
viselkedéseinek bizonyos alapvető attitűdökre való de-kompozicionálásán.
Elsődleges de-kompozíció nélkül a munkának nincs iránya,
nincsenek részek, melyek interakcióba lépnének a nézőkkel, és a nézők sem
lesznek képesek kísérletek és hibák folyamata által haladni, azaz maga a
kompozíció lesz lehetetlen. A dekompozíció szükségessége már abban a
pillanatban nyilvánvalóvá válik, amikor a rendező az előadás „anyagán” kezd el
dolgozni. A folyamat, mely a végső egység felé halad – amelyben már nem lehet
megkülönböztetni az egyes szinteket és az elválasztott fragmentumokat –
valójában a fragmentumok (jelenetek, sorozatok, mikrosorozatok) dekomponálásával
és a különböző szintek (az egyes színészek cselekvései, kapcsolatok fizikai és
vokális cselekvések, az előadás ideje és tere, a vizuális és hangzó montázsok)
megkülönböztetésé-vel kezdődik. Kevésbé nyilvánvaló a szükséges mesterségbeli
hozzáállás, amikor a nézővel való kapcsolaton dolgozik valaki, így biztosítva a
nézőt a szólamok pluralitásáról, melyekkel az előadás súghat valamit számára.
Amikor a rendező azt feltételezi, ő az előadás „első nézője”,
ezt a képet nem szabad önmagával, saját privát identitásával
azonosítania, hanem ezt a képet („az első néző”) inkább munkaeszközként kellene
használni. Ha mégis így dönt, az előadást az esetlegesség veszélyének teszi ki.
A veszély tudatában máskor a rendező az ezzel ellentétes extrém helyzetet engedi
elhatalmasodni. Mentálisan konstruál egy nézőtípust, egy általános képet a
publikumról, melyet legjobban szeret, vagy amelytől legjobban fél. Ez a kép nem
biztosít számára tiszteletben tartható, konkrét interakcióban lévő beszélőt.
A rendező mint néző technikája az elidegenítés és az azonosulás
technikája. Elidegenítés nemcsak a „publikumtól”, hanem saját magától is.
Azonosulás a nézők különböző és egyedi tapasztalatával, amelynek köze kell
legyen azokhoz a különböző és egyedi módokhoz, amelyekkel az előadás elboldogul
az életben-való-létezésben (being-in-life).
Ennek a technikának személyes természete van. Elveit, azonban,
át lehet adni és meg lehet osztani.
Legalább háromféle néző reakcióit kell ismerni, és
azt is tudni, hogyan lehet elképzelni a negyediket. A négy „alapvető” nézőtípust
a következőképpen hívom:
a gyermek, aki szó szerint fogja fel az akciókat;
a néző, aki azt hiszi, nem érti, de aki ennek ellenére, táncol;
a rendező alteregója;
a negyedik néző, aki keresztüllát az előadáson, mintha ez nem a
mulandó (ephemeral) és a fikcionális világához tartozna.
Az előadás minden egyes pillanatát mind a négy néző szemében
igazolni kell. A leglényegesebb munkaterületen a rendező technikája abból áll,
hogy tudnia kell, hogyan azonosuljon az egyikkel, aztán egy másikkal, majd
ezeknek a nézőtípusoknak a további tagjaival, irányítva reakcióikat és
elképzelve a negyedik néző nevetését. A rendező feladata a négy eltérő néző
harmonizálása úgy, hogy ami megengedi az egyik számára a reakciót, az ne
blokkolja mások kinetikai vagy mentális reakcióját.
Így a rendező felfedezi azt a bőséget, amely lehetővé teszi az
előadás számára, hogy megtelepedjék mások emlékezetében. Minden egyes konkrét
nézőt el lehet úgy is képzelni, mint olyan egyént, akiben ezt a négy „alapvető”
nézőt eltérő arányban kombinálták.
Azt „a gyermeket, aki szó szerint fogja fel az akciókat”, nem
lehet metaforákkal, utalásokkal, szimbolikus képekkel, idézetekkel,
absztrakcióval, szuggesztív szövegekkel elkábítani. Ez a néző a prezentációt s
nem ennek reprezentációját figyeli. Ha Hamlet a „lenni vagy nem lenni”-t
recitálja, a „szó szerinti gyermek” egy férfit lát, aki hosszan beszél, egyedül,
anélkül, hogy valami érdekeset csinálna.
A második néző nem gondol az előadás jelentésének megértésére.
Úgy lehet elképzelni őt, mint aki esetleg nem érti a színészek által beszélt
nyelvet, és a történetet sem ismeri. Azonban ez a néző is felismeri, hogy a
munka „jól megcsinált”, óvatosan részletezett, mint egy kézműves remekműve azon
kultúrák egyikéből, ahol nem tesznek különbséget mesterség és művészet között.
Mindenekelőtt ez a néző engedi magát „megérinteni” az előadás kifejezés előtti
szintje (preexpressive level), a színész táncának energiája és az akció terét és
idejét kitágító ritmus által. Ő kinetikailag követi az előadást. Nem alszik,
mert az előadás táncra készteti őt székében.
A néző, aki a „rendező alteregója”, jól informált az előadás
összes részletéről, a szövegről, az eseményekről, amelyekre a szöveg utal, a
dramaturgiai választásokról, a karakterek életrajzáról. Számára az előadás olyan
terület, ahol a közeli és távoli múlt nyomai új kontextusoknak és nem várt
kapcsolatoknak adnak életet. Látásmódja áthatol ezen az élő archeológián, a
felső szintektől a legmélyebbig haladva. Képes felismerni minden egyes
fragmentumban, részletben, mikroakcióban saját tudásának tévelygő emlékét,
információval átitatva, de felruházva új energiával, amely szokatlan mentális
asszociációkhoz vezet. Minden, ami a színpad itt és most-jában történik, rezonál
benne, és először hallott hanggá transzformálódik rögtön. A harmadik néző csak
így képes szembenézni az előadás eseményeivel, felismeréstől a tudásig, egy
tapasztalat információjától egy tapasztalat megtapasztalásáig haladva. Képesnek
kell lennie arra, hogy minden este újra megnézze az előadást unatkozás nélkül,
mintha „kiterjesztett értelemmel” vándorolna, ami minden alkalommal új kérdések
felszínre kerülését okozza, és ami konfrontálja egy őt üldöző talánnyal. Ezek a
nézők nem tisztán elvonatkozások, hanem megszemélyesí-tések, akikhez a rendező
pontos arcokat és neveket csatol. Még ha ezek nem igazi nézők, a rendezőnek
akkor is képesnek kell lennie a velük való azonosulásra: ezek olyan
personae (maszkok, szerepek), amelyeket a rendező mentálisan azért ölt
magára, hogy maga mögött hagyja önmagát és privát nézői reflexióit.
A rendező először az egyikre, majd a másikra koncentrál a négy
„alapvető” néző közül, összefonva és összehangolva reakcióikat ugyanúgy, ahogy
összefonja és összehangolja a színészek akcióit.
A negyedik néző majdnem néma. Ő mosolyog az előadás
Maja-fátylán keresztül. Látja azt, amit egy néző sem lát materiálisan: a hímzést
az egyik karakter ingén. Ez szinte szükségtelen, mivel felöltő takarja, de azzal
az óvatossággal hímezték, amellyel a láthatóakat csinálják, mert ennek is van
értéke az adott színész és rendező számára. Ez a néző látja, mit csinál a
színész bal keze, mialatt a színész a nézőknek a jobb kezét mutatja. Látja a
„jól megcsinált” munkát még akkor is, ha az titkos, és felismeri, ha a színész
teszi ezt, attól a szükségtől vezérelve, amely bármely néző elvárásain túlmegy.
A negyedik néző az az együttműködő, aki segít nekünk a színház
csinálásával tagadni a színházat.
Fordította: Imre Zoltán
/ Hivatkozás: Barba Eugenio, (1986) Beyond the Floating Islands.
New York: PAJ Publications
Barba,
Eugenio (1997) „Four spectators”, The drama review No. 41. 96-100. A szerző
alapítója és rendezője az International School for Theatre Anthropology-nek
(ISTA) és a dániai Holstebróban lévő Odin Teatretnek. Barba elméleti és
gyakorlati kutatási területe a színház-antropológia. Könyvei: Beyond the
Floating Islands (1986); A Dictionary of Theatre Anthropology: The Secret Art of
the Performer (Nicola Savarese-zel 1991); The Paper Canoe (1995). Ezenkívül
számos tanulmánya jelent meg a The Drama Review-ban és más nemzetközi színházi
folyóiratokban. (a ford.) /
KONSZTANTYIN SZTANYISZLAVSZKIJ
Helyezkedj el a sógoroknál, mert az ausztriai munkalehetőségek sokkal jobban jövedelmeznek, mint szinte bármely más magyarországi munka.